Dies ist ein Kommentar zur Ruhrtriennale 2019, im Bezug auf die dort gezeigte Inszenierung ‘All the good’ der Performancegruppe Needcompany (gegründet 1986 von Jan Lauwers und Grace Ellen Barkey). Die fehlende Triggerwarnung, das unproduktive Nachgespräch, sowie der Umgang der Dramaturgie mit geäußerter Kritik sind der Anlass unseres Schreibens. Der Kern unserer Kritik ist nicht unsere persönliche Betroffenheit, sondern größere und komplexere Phänomene und Diskurse.

Worum geht es in ‘All the good’?

‘All the good’ ist ein fiktionales Selbstportrait verflochten mit autobiographischen Elementen (1) von und über den Künstler Jan Lauwers, in welcher seine Familie (Grace Ellen Barkey, Romy Lauwers und Victor Lauwers) auf der Bühne steht und eine zentrale Rolle spielt. Im Prolog stellt Lauwers zunächst sich und dann die anderen Personen auf der Bühne vor. Lauwers, ein weißer cis-Mann, inszeniert sich selbst als leidenden Künstler, der sich als hierarchisch übergeordneter Regisseur in einer Schaffenskrise befindet. Mit humoristisch-provokativ gemeinten Aussagen, die Lauwers selbstkritische Linse verdeutlichen sollen, bewirkt das Stück das Gegenteil: Reproduktion statt kritische Auseinandersetzung.

„Heute geht es um mich, nicht um dich!“, unterbricht er beispielsweise Grace Ellen Barkey, als diese erzählt, womit sie sich künstlerisch beschäftigt. Dies ist nur eins der vielen Beispiele, wie Frauenfiguren hier inszeniert werden. Während des gesamten Stücks werden sie durch seinen male gaze gelesen, übersexualisiert und stumm geschaltet. Lauwers ist der einzige, der nach dem Prolog durch einen anderen Darsteller ersetzt wird und im Folgenden das Bühnengeschehen vom Rand beobachtet. Die Inszenierung ist fokussiert auf Jan Lauwers’ Leben, gleichzeitig hat der Regisseur sich zur Aufgabe gemacht, auch die Biographien anderer zu erzählen.

In der Hälfte der Aufführung wird eine Szene gezeigt, welche laut Programmheft eine Hommage an Artemisia Gentileschi (1593 – 1652) darstellen soll – eine italienische Künstlerin, welche von ihrem Lehrer vergewaltigt und danach einem quälenden Gerichtsprozess und Folter unterzogen wurde. Die Szene ist wie folgt aufgebaut: Die Darstellerin Sarah Lutz erklärt, sie wolle eine Hommage an die Künstlerin erschaffen und bittet den Darsteller Victor Lauwers nachdrücklich darum, von ihm vergewaltigt zu werden. Ihr Bitten steigert sich zu einem Anflehen. Es kommt zu einer brutalen, hyperrealistisch dargestellten Vergewaltigung auf der Bühne. Dieses Bitten erinnert an eine Rhetorik des “sie wollte es so”, was oft als Argument benutzt wird, um Betroffene von sexualisierter Gewalt zu diskreditieren und die Schuld vom Täter auf das Opfer zu verschieben (#victimblaming). Bei der Szene steht nicht ihr Schmerz im Mittelpunkt. Die Darstellerin fungiert als Objekt und die dargestellte Vergewaltigung lediglich als Mittel, um das Publikum zu schockieren.

Die Szene stellt nicht den einzigen Moment dar, in welchem Brutalität, sexistische Kommentare und sexualisierte Gewalt reproduziert werden. Zudem kommt es mehrfach zu rassistischen Aussagen. Wenn die weiße Performerin Grace Ellen Barkey, die in der Narration mit dem Schwarzen Performer Yonier Camilo Mejia Sex hat und danach sagt: „Oh, ich dachte ihr könnt länger“, ist das schlicht rassistisch. Wenn Mahmoud, einem Glasbläser aus Palästina, der nur als Foto auftaucht, nicht die Möglichkeit gegeben wird für sich selbst zu sprechen, ist das rassistisch. Wenn Romy Lauwers und Elik Niv darüber sprechen, dass sie eigentlich in China lieber mit „einer Geisha“ und „einem Mandarin“ schlafen wollen und somit fetischisierende und exotisierende Sprache benutzen, ist das auch rassistisch. Diese Momente werden bloß reproduziert und an keiner Stelle gebrochen. Rassistische Aussagen und gewaltvolle Darstellungen bleiben unkommentiert stehen.

Wir verlassen aufgrund dieser Momente den Aufführungsraum und fragen uns: Warum gibt es keine Triggerwarnung? Warum wird das Publikum unvorbereitet in eine Inszenierung mit potentiell (re-)traumatisierenden Szenen geschickt? Wir fragen uns außerdem, warum diese Szenen unkommentiert inszeniert und in Bezug zu Jan Lauwers Leben gesetzt werden und worin die Notwendigkeit besteht, derart drastische Gewalt zu reproduzieren? Bei einem Artist Talk mit dem Regisseur und anderen Darsteller*innen der Needcompany am nächsten Morgen möchten wir diese Fragen einbringen.

Wie verläuft der Artist Talk?

Mit der banalen Prämisse Lauwers’ im Programmheft, „Kunst habe keine Antworten zu geben, sondern Fragen zu produzieren“ (2), begegnet der Künstler auch unseren kritischen Fragen. Auf die bloße Äußerung, dass ein Bedürfnis bestehe, über die inszenierte Vergewaltigungsszene zu sprechen, reagiert Lauwers schnippisch mit der Rückfrage: „Why are you so aggressive?“. Es kommt kein Dialog zustande, da wir (fünf cis-Studentinnen) stets unterbrochen, Fragen nicht beantwortet werden und uns im Gegenzug sogar unterstellt wird, nicht richtig zuzuhören und kein Verständnis für Kunst und Theater zu haben. Uns wird vorgeworfen, nicht zwischen Realem und Gespieltem unterscheiden zu können. „I would not rape her for real though“, äußert sich Victor Lauwers in herablassendem Tonfall. Jan Lauwers insistiert auf der Aussage, dass die Vergewaltigungsszene „fake“ sei, da es sich ja nur um das Nachspielen einer solchen handle. Er bezeichnet sie als „brilliantly acted“ und erklärt, erst dadurch zeige sich die Radikalität der Szene. Es wird deutlich, dass unser Argument, die Reproduktion der Tat sei in sich problematisch, den beiden egal ist.

Die Reproduktion wird von Lauwers als solche erkannt und gelobt, weil sie so gelungen, so echt, so glaubhaft inszeniert sei. Von sich selbst zu denken, dass man weiß, wie sich eine reale Vergewaltigung anfühlen mag und dann stolz zu sein, dem so nahe wie möglich auf der Bühne zu kommen, ist absurd. Das Wissen über die Vergewaltigung entstammt einem Diskurs, der von Männern dominiert wurde, in dem Männer lustvoll nacherzählen, wie sie sich vorstellen, dass andere Männer Frauen vergewaltigen.

Jan Lauwers formuliert einen selbstreflexiven und feministischen Anspruch an seine Arbeit, während er gleichzeitig die Person mit dem größten Redeanteil im Nachgespräch ist und mehrfach private Details über die nichtanwesenden Darstellerinnen der Inszenierung erzählt, um zu beweisen wie verantwortungsvoll er mit weiblichen Biographien umgehe. Er betont die Einwilligung der Performerin Sarah Lutz, sowie die Einwilligung der von ihr verkörperten Figur in die dargestellte Vergewaltigung, die er immer auch mit dem Terminus “rape scene” betitelt und ignoriert dabei, dass Einwilligung und Vergewaltigung einander ausschließen. Hinter der Fassade des mysteriösen Künstlers, der wichtige politische Grundbegriffe der gegenwärtigen feministischen Bewegungen eher als Modebegriffe auffasst (#metoo) und als bloße Marketingstrategie für sich gebraucht, verbirgt sich ein Kritik-immuner Künstler, der Nachgespräche als eine Form von Lobreden für sich begreift.

Was passiert nach dem Artist Talk?

Zur Klärung der Situation wird uns ein Gespräch mit der Dramaturgie der Ruhrtriennale angeboten. Wir erhoffen uns, dort über die Verantwortung des Festivals für ihr Publikum sprechen zu können (Triggerwarnung) bzw. zu fragen, wie kritische dramaturgische Arbeit in dem Probenprozess von „All the good“ hätte stattfinden können. Die Inszenierung wurde bei der RT 2019 uraufgeführt und auch im Vorfeld dort geprobt. Das Gespräch stellt sich als halbherziger Versuch heraus, die Wogen zu glätten. Die Dramaturgie will detailliert auf den Ablauf des Theaterabends eingehen und wissen, wann wir die Aufführung verlassen und was wir anschließend zum Einlasspersonal gesagt haben. Unsere inhaltlichen Argumente zur Inszenierung finden in dem Gespräch kaum Platz, unsere Fragen werden auch hier nicht beantwortet.

Die Ruhrtriennale ist ein international bekanntes und renommiertes Festival mit enormer Reichweite. Dass ausgerechnet hier keine Verantwortung übernommen wird, ist ein bitteres Zeugnis für den Unwillen der Theaterszene, sich kritisch zu reflektieren und für Veränderung einzustehen. Das Selbstverständnis, links, liberal, weltoffen, feministisch und antirassistisch zu sein, geht bis dahin, wo es unbequem wird, weil bestehende Strukturen verändert werden müssten. Uns geht es darum, zu fragen, wer welche Geschichten warum und wie erzählt. Es geht um ein Umdenken eines etablierten Narrativs, in welchem Männer Gewalt an Frauen inszenieren und sich dafür als Provokateure abfeiern.

Wir veröffentlichen diesen Kommentar, um das Geschehene zu teilen und um unsere Forderung laut zu machen:

– Wir wollen im Theater und darüber hinaus keine Ausbeutung der Geschichten von Menschen, die sexualisierte Gewalt und strukturelle Diskriminierung erleben.
– Wir wollen, dass Menschen selbstbestimmt ihre Geschichten erzählen können, dafür den Raum bekommen und dass ihnen zugehört wird.
– Wir wollen, dass in Situationen, in denen sich Betroffene äußern, Solidarität gezeigt wird und die Position dieser Personen ernst genommen wird.
– Wir wollen Triggerwarnungen als einen Ansatz für einen verantwortungsvollen Umgang mit dem Publikum.
– Wir wollen, dass Kurator*innen, Leiter*innen, Dramaturg*innen, Pädagog*innen und Moderator*innen, generell Menschen mit dem Privileg der Entscheidungsposition, Verantwortung übernehmen und sich aktiv dafür einsetzen, der Reproduktion von struktureller Gewalt und Diskriminierung keine Bühne zu geben.

Sara Gröning

Antonia Kelm

Ania Pachura

Rebekka Pattison

Ella Schilling

(1) https://www.needcompany.org/en/all-the-good

(2) Programmheft “All the Good”: Jan Lauwers im Gespräch mit Stefanie Carp und Lucie Ortmann, Hrsg. Ruhrtriennale 2019, S. 4

English Version: https://rt19whyareyousoaggressive.wordpress.com/