Im Theater gewesen. Gelacht. Geweint.

Ich verspüre eine immense Diskrepanz zwischen der Kritik von Sophie Diesselhorst und meinen Eindrücken des Stückes. Die Aufführung am 01.12.2013 in der Bremer Schwankhalle habe ich als berührenden, großartigen Theaterabend erlebt.

Der Abend begann mit einem, wie ich finde, sehr gelungenen Reenactment eines Gesprächs zwischen zweien der Performer und zwei Bewohnerinnen eines Münchner Pflegeheims in unterschiedlichen Demenzstadien. Aneignung und Selbstsetzung sind essentielle Dimensionen eines jeden künstlerischen Reenactments. Der Ausgangspunkt der inszenierten Wiederholung eines Erlebnisses, eines Gesprächs ist fraglos immer die Isolation der Situation in ihrer Wiederholung, in der sie zur Beute der Gegenwart wird und in der der Künstler seinen eigenen Status stabilisiert, indem er die Situation auf sich verpflichtet. Sophie Diesselhorst schreibt von übertriebener Selbstbezogenheit. Ich sehe die Selbstbezogenheit auch. Ja. Und?

Begeistert hat mich bei diesem ersten Teil des Stückes die Genauigkeit mit dem die verschiedenen Stimmungen der Performer bei dem Gespräch herausgearbeitet wurden. Wie sie genau wie die Bewohner nach Antworten suchen und um Worte ringen, wie sie resignieren und enttäuscht reagieren, wenn es an einem für sie interessanten Punkt (scheinbar) nicht weitergeht, wie sie versuchen ihren eigenen Ansprüchen an einen guten Umgang miteinander und an ein respektvoll geführtes Gespräch gerecht zu werden und dabei zwischendurch auch immer wieder scheitern, wie sie sich freuen, wenn sie etwas finden und festhalten können, mit dem sie weiterarbeiten wollen. Das Bild, das dabei von der in unserer Gesellschaft gettoisierten Erkrankung Demenz gezeichnet wird, habe ich als ein sehr ehrliches wahrgenommen, das auf Beschönigungen und Romantisierung weitgehend verzichtet. Eine Auseinandersetzung über Selbstverwirklichung, den Produktivitätszwang unserer Gesellschaft, Glück, das richtige Leben und Konsumkritik ist (trotzdem) möglich, wenn vielleicht auch langsamer, anders, fremd. Im Kopf geblieben sind mir hier die beiden folgenden wunderschönen Erklärungen und Erkenntnisse von Frau T. und Frau K.: Woran merkt man denn, wenn etwas nicht richtig ist?, fragt einer. Das merke man daran, wenn etwas dazukommt und das was wichtig ist, das lässt man dann weg, antwortet Frau T. Und Frau K. sagt an einer Stelle, dass es ganz normal sei, wenn man manchmal zu anderen mehr Takt habe, als zu sich selbst. Ja, das kenne ich auch, denke ich sofort und freue mich, dass diese Worte und Gedanken durch das Theater eine Weg zu mir gefunden haben.

Dieser erste etwa viertelstündige Teil funktionierte wie eine Prolog und überschrieb den Abend mit der ewigen Frage nach dem guten, dem richtigen Leben. Ist es gut, zu hoffen? Kann man/ muss man hoffen und streben gleichsetzten? Muss man immer vorankommen, in Bewegung sein, Veränderungen/ Verbesserungen erreichen und erreichen wollen? Wenn wir immer in Bewegung sind, immer hoffen und streben, wann leben wir dann je richtig und wann sind wir glücklich? Kann man auf etwas hoffen und trotzdem im Hier und Jetzt und glücklich sein? Wenn wir nicht mehr hoffen, stehen wir dann still und ist das dann unser Ende? Woher kommt dieses treibende Gefühl, das Gefühl immer etwas wollen zu müssen? Kommt es aus uns selbst oder wird es permanent von außen an uns herangetragen?

Der Prolog endete mit einem Countdown. Von zehn auf eins hörte ich die Stimmen der Pflegeheimbewohner*innen runterzählen. Johannes bis in die kleinste Gesichtsregung grandios gespielt von Johannes Hock trat auf die Bühne und ließ den Vorhang fallen und ich wartete gebannt und erwartungsvoll auf das, was nun kommen würde. Natürlich erhoffte ich mir Antworten.

Auf der Bühne stehen ein großes und ein kleines Zelt. Das Setting lässt mich an meine Kindheit und Jugend denken, an mein eigenes Mich-ausprobieren, Suchen und Finden, an meine Träume und Hoffnungen von damals, an Zeltlager mit Freunden und Nicht-Freunden und an lange Nächte am Lagerfeuer, in denen alles gut und richtig war. Es treffen in unterschiedlichen Konstellationen zu immer neuen Bildern die vier Performer und drei Musiker des Abends zusammen. Sie übersetzten das Demenz-Bild aus dem Prolog behutsam und abstrahierend von der sprachlichen Ebene in körperliche Bilder. Die ständigen Auf- und Abbrüche bieten keine einfachen Antworten, keine Narration. Zusammenhänge entstehen, bauen sich auf und zerfallen wieder. Als Zuschauerin bin ich ständig gefordert. Halte ich an dem gerade zerfallenden Bild fest oder lasse ich mich auf das neue ein? Irgendwann arrangiere ich mich damit und lasse mich gemeinsam mit den Figuren hin- und herwerfen. Lebe im Moment und erlebe die Intensität beim Streicheln, sich Nahe sein und gleichsam beim Sich-reiben und Schlagen, Sich-wegstoßen und Fressen-wollen.

Das Jenseits, dass Sophie Diesselhorst hier reinliest, sah ich nicht. Ich sah das Diesseits. Sah ein Abbild unserer Gesellschaft, die Versuche den eigenen Ansprüchen und denen der Gesellschaft gerecht zu werden, das ständige Streben nach Erfolg, nach Glück und der richtigen Konfektionsgröße, die die wunderschönen Momente, die sich zwischendurch entspannen, immer wieder zerbrechen und zerfallen ließen. Der Gegenentwurf zu unserer Gesellschaft, der in einer der Ankündigungen zum Stück versprochen wird, ist sicherlich sehr hoch gegriffen, liegt für mich aber nicht in dem, was auf der Bühne gezeigt wird, sondern in meinem Blick darauf. Hierzu als Leseempfehlung der Link zu einem Blog, in dem eine geschätzte Kollegin von mir im Rahmen einer Kolumne mit dem Titel "Theatervorurteil des Monats" einen Aufsatz zu dem Vorurteil "Theater ändert nichts" eingestellt hat: http://theaterverstaerkerbremen.wordpress.com/2013/07/05/theater-andert-nichts-2/

Unsere Welt ist konstruiert. Dass Bewegung, Streben, Veränderung positiv konnotiert ist, dass gelingende Kommunikation als normal gilt, obwohl eigentlich niemand niemanden wirklich versteht, dass Demenz als Krankheit definiert wird und in unserer Gesellschaft nur am Rande Platz hat und auch dort stört und nervt, ist nicht einfach so und unumstößlich, sondern anfecht-, diskutier- und änderbar.

Und Johannes? Johannes ist vielleicht die größte Lücke, der größte Möglichkeitsraum. Eine Projektionsfläche für das Publikum. Nun mach schon Johannes, mach doch irgendwas, will man vielleicht manchmal rufen. Oder: Lass dich nicht drauf ein, Johannes. Mach da nicht mit. Wenn man nicht aufbricht, kann man auch nicht ankommen und doch ist Johannes die ganze Zeit da. Er nimmt die ganze Zeit Anteil, ohne sich zu einem Teil des Ganzen zu machen. Held oder Antiheld? Wer weiß.

Last but not least muss auch die Musik dieses Abends noch Erwähnung finden. Sie bohrte sich in mich hinein, hat mich mich zu Tränen gerührt, warf, mich zurück in Zeiten in meinem Leben, in denen ich oft die Muße hatte am Lagerfeuer zu sitzen und jemandem beim Gitarrespielen zu lauschen (ja, ja, ein furchtbar überromantisiertes Bild), um dann gleichsam wie zuvor die Worte und die Bewegungen abzubrechen, zu zerfallen, Fragment zu bleiben oder zu werden, Freistellen und Lücken für meine eigenen Gedanken zu lassen.

Gespielt wurde an diesem Abend mit einer wunderbaren Ruhe und Gelassenheit und zugleich mit ganz viel ansteckender Energie. Vielen Dank an Martin Clausen und Kollegen für einen Theaterabend, der mir als Bilderrausch und Ohrwurm wohl noch lange im Kopf herumschwirren wird und mich seit Tagen mit einer ungeheuren Euphorie erfüllt, die jegliche Hoffnung überflüssig macht.