Regisseur Noam Brusilovsky hat die Zweiteilung von Tomer Gardis Roman beibehalten. Die erste Hälfte knüpft an die Tradition des Dadaismus und des intelligenten Blödelns an. In ihr treffen, in einem Wald aus Stoffstreifen, an einer schäbigen Bushaltestelle und vor einem agilen Bundesadler, das Bühnen-Ich des Autors Tomer in militärischem Outfit, der in gereimten Versen mit klassischen Zitaten deklamierende Erlkönig, die Intendantin und der Hund Rex, der gebrochenes Deutsch spricht, aufeinander. Die zweite Hälfte des Theaterabends erzählt die Geschichte des indonesischen Malers Raden Saleh, der aus Java in die Niederlande geholt wurde, um Porträts der Herrscherhäuser zu malen, und schließlich, nach Java zurückgekehrt, der Vergessenheit anheimfiel. Dieser zweite Teil, der sich stilistisch so radikal vom ersten unterscheidet, ist nicht weniger als eine Kolonialgeschichte am Einzelbeispiel. Belehrend und keinen Augenblick langweilig. (Thomas Rothschild)

Zur Nachtkritik

In keinem Theaterabend des vergangenen Jahres habe ich so treffend und so differenziert die allgemein herrschende Verunsicherung unserer Gesellschaft gespiegelt gesehen wie in Olga Bachs "Im Ferienlager" in der Regie von Jessica Glause. Der Plot spielt in den 1920er Jahren rund um ein "Ferienlager an einem recht abgeschiedenen Örtchen", wo die Chorleiterin Luise Jugendlichen die Zeit mit gemeinsamem Gesang vertreiben soll. Sie zweifelt bald an der Harmlosigkeit der Institution, die sich mehr und mehr als sektenähnlich offenbart. Die Art und Weise, wie Autorin, Regie, Ensemble und ein Spielchor aus 15 Schüler*innen die präfaschistischen 1920er in den Zeitenflow überführen, die gesellschaftliche Schnittmenge aus Desorientierung, Verschwörungstheorien, Deutschtümelei, Zukunftsängsten und autoritären Wunschträumen herausarbeiten bis hin zur Unterwanderung demokratischer Strukturen, ergibt einen unheimlich-beunruhigenden Theaterabend, der sehr lange nachwirkt. (Verena Großkreutz)

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Warum Klassiker überschreiben, wenn man sie auch mixen kann. Melanie Schmidt kombiniert Elemente aus "Die Vögel" von Aristophanes und der Parabel-Sammlung "Bookpink" (plattdeutsch für Buchfink) von Caren Jeß zu einer sehr unterhaltsamen Angry Birds Show. (Steffen Becker)

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Die Wiederentdeckung eines Romans über Nazis im Jagdfieber: bildgewaltig und gruselig und dabei den Humor nicht zu kurz kommen lassend, ein komplett fesselnder auf den Punkt dem Text zuträglich inszenierter Abend. (Andreas Thamm)

Vier Männer im Schnee befinden sich auf dem alljährlichen Jagdurlaub im Bayerischen Wald. Dabei werden in der Dramatisierung des Romans von Gisela Elsner (erschienen 1984) Abgründe von Chauvinismus, Rassismus, völkischen Idealen und katholischer Gläubigkeit sichtbar. Für so ein zeitlos-aktuelles politisches Theater lohnt sich in jedem Fall die Eintrittskarte! Thomas Bernhard und Elfriede Jelinek wären begeistert. (Wolfgang Reitzammer)

Zur Nachtkritik

Besonders überzeugend ist in der Bearbeitung von Paula Kläy, wie die verschiedenen Ebenen der Erzählung zunehmend ineinanderfließen und sich dadurch besonders spannende Fragen ergeben: Wer hat Macht über wen, wer hat Kontrolle über das Narrativ, und natürlich die allgegenwärtige Frage der eigenen Identität. Dazu kommt noch die tolle Präsenz der drei Darstellenden. Durch das Setting in einem baufälligen Hotel im Jugendstil, das uneindeutig zwischen Abriss und Wiederaufbau schwebt, wird diese Auflösung von Grenzen noch verstärkt. (Svenja Plannerer)

Zur Nachtkritik

Es ist eine "Jud-Süß"-Geschichte aus dem (West)Deutschland der unmittelbaren Nachkriegszeit. Und so wird der Protagonist dann auch, wie in Veit Harlans berüchtigtem Propagandafilm, am Ende in einem Käfig hochgezogen. Obwohl das eigentlich kein Käfig ist, sondern das Skelett eines Flügels, dessen zerklüfteter Corpus von Anfang an auf der Bühne steht. Es ist nichts wirklich eindeutig ausbuchstabiert in dieser Revue, die der israelische Dramatiker Avishai Milstein (mit einem Hauch von Mel Brooks) um Philipp Auerbach herum gebaut hat: Holocaustüberlebender und 1946 von der amerikanischen Besatzungsbehörde in Bayern als Staatskommissar für rassisch und politisch Verfolgte berufen. Einer der Architekten der Wiedergutmachungspolitik und schon bald in einem umstrittenen Verfahren 1952 wegen Untreue und Betrug zu zweieinhalb Jahren Gefängnis verurteilt. In der Nacht nach der Verurteilung hatte er sich das Leben genommen. Was Milstein leichtfüßig wie respektlos an den Gestaden deutscher Erinnerungspolitik und wieder erstarkendem Antisemitismus als Spiel im Spiel anlegt, setzt Regisseurin Sandra Strunz mit allem Sinn fürs Traurige, Abgründige und Entsetzliche an dieser Geschichte (und ihrem trostlosen Echo in unserer Gegenwart) mit Karacho in Szene. Die durchweg tollen Spieler*innen, allen voran Annika Neugart, Edmund Telgenkämper und Wiebke Puls als Antisemitismusbeauftragte Beate, die großartige Livemusik von Rainer Süßmilch und Philipp Haagen und die überbordenden wie ironischen Kostüme von Sabine Kohlstedt machen diesen Abend zum Ereignis. (Esther Slevogt)

Seit Documenta 15 und "Historikerstreit 2.0" ist die deutsche Erinnerungskultur zum Gegenstand erbitterter Debatten und Polemiken geworden – mit scheinbar verhärteten Frontverläufen. Avishai Milstein bringt mit seinem grandiosen Stück “Play Auerbach!” das deutsche Erinnerungstheater so bitterböse und klug durcheinander, dass statt Reflexen wieder Reflexion gefragt ist. Von Sandra Strunz mit einem fantastischen Ensemble auf die Bühne gebracht, ist "Play Auerbach!" der witzigste und wichtigste Theaterbeitrag des Jahres zum deutsch-jüdischen Verhältnis 80 Jahre nach Ende der Nazi-Herrschaft. (Jakob Hayner)

Im Jahr 2045, in dem es in Deutschland weder Jüdinnen und Juden noch offene Theater gibt, spielt eine Laientheatergruppe unter Aufsicht der Antisemitismusbeauftragten Beate eine Revue über den vergessenen Münchener Juden Philipp Auerbach. Diese Uraufführung re-organisiert das Herz Deutscher Erinnerungskultur, bis einem Hören und Sehen vergeht. Eine bittere und gleichzeitig zutiefst humane Befragung von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft dieses gewaltgeprägten Landes. Samuel Finzi als Auerbach und das Ensemble sind ein erschütterndes Bühnenereignis. (Eva Marburg)

Zur Nachtkritik

Ein Theatertraum, ein Rausch, eine glanzvolle Ensembleleistung, begeisternd. Die Kammerspiele holen "Wallenstein" ins Jetzt und machen aus Schillers Klassiker im übertragenen und direkten Sinn Appetitliches, ohne dabei zu leicht verdaulich zu sein. (Susanne Greiner)

Mit beinahe unbekümmerter Neugier stellt Jan-Christoph Gockel die Frage nach dem Krieg, wer ihn macht, wie er funktioniert, was er mit Menschen macht. Der Russe Sergei Okunev hat dazu über Putins Koch Jewgeni Prigoschin und seine Wagner-Söldner recherchiert. Es geht ums Fressen und um Vertrauen. Macho-Männer werden von Frauen verkörpert. Der Feldherr, gespielt von Samuel Koch, ist eine Übermarionette und ein Philosoph. Hier geht nichts zusammen, keine runde Sache, alles klafft und arbeitet weiter im Kopf. (Silvia Stammen)

Zur Nachtkritik

Kann man "Carmen" im Sprechtheater spielen? Unbedingt, wenn man es so tut wie am Berliner Maxim Gorki Theater: zur Kenntlichkeit verzerrt. Mit einer fabelhaften Band. Und mit einem Hauptdarsteller (Lindy Larsson), dessen Intensität auch im Gesang süchtig macht. All die Themen, mit denen sich "Carmen"-Inszenierungen auseinandersetzen müssen – Machismo, Femizid, Antiziganismus – begegnet dieser Abend beispielhaft. Und lässt zugleich die so oft ermordete, unsterbliche Carmen triumphieren. (Georg Kasch)

Zur Nachtkritik

Wie nebenbei macht Anne Lenk Tollers "Hinkemann" zu einem Abend der aktuellen Gender-Diskurse, mit nahbaren, leidenden, individuellen und doch allgemeingültigen Figuren. Bildstark und zart zugleich inszeniert sie dieses selten gespielte Stück, besetzt mit fantastischen Spieler*innen. Allen voran Moritz Kienemann. Figuren eines Dramas, so heißt es, existieren nur im Stück und durch das Stück. Das stimmt nicht immer. Denn noch bevor in Lenks Inszenierung am Ende das Licht ausgeht, hat dieser Hinkemann, so scheint es, Tollers Stück längst verlassen. Hat an der Theatergarderobe seinen Mantel abgeholt und ist wortlos hinausgegangen. Hinaus in die Gesellschaft und mitten hinein in die Diskurse über Männlichkeit und Genderfragen, über Empathie und über Krieg. Ist durch das außergewöhnliche Spiel von Moritz Kienemann nicht Figur geblieben, sondern Mensch geworden. (Katrin Ullmann)

Zur Nachtkritik

"Jemand musste Josef K. verleumdet haben": Über diesen Anfangsverdacht kommt K. nicht hinaus, in Kafkas "Der Prozess" steckt er fest zwischen den Mahlsteinen der Bürokratie, deren Walten und Wirken er nicht versteht. Ein Clown des Schicksals ist diese berühmte literarische Figur, und Kathrin Wehlisch, die K. am Berliner Ensemble spielt, ist die perfekte Besetzung für die Rolle. Mit großäugiger Verwunderung gibt sie die überforderte Zeugin des eigenen Untergangs. Um sie herum hat Barrie Kosky, langjähriger Intendant von Berlins Komischer Oper und Galionsfigur einer neuen Operettentradition, in seiner zweiten Zusammenarbeit mit dem BE ein "talmudisches Tingeltangel" inszeniert, mit Live-Musik von Bach bis zu jiddischem Vaudeville und in mehreren Sprachen. Fokus von "K." ist Kafkas noch immer kaum wahrgenommenes jüdisches Erbe, zu dem der Autor in spannungsvollem Verhältnis stand und dem er sich ausgerechnet übers Theater annäherte. Von einem gesangs- und tanzbegabten Ensemble unterhaltsam auf die Bühne gebracht, wirbt "K." als historisch fundierte Revue angesichts des grassierenden Antisemitismus überzeugend für die Tatsache, dass jüdische Kultur zu Deutschland und Europa gehört. (Elena Philipp)

Zur Nachtkritik

Ein Mord ist geschehen, aber die Leiche ist verschwunden. Oder war es gar kein Mord? War es nur ein "Schauspieler in einer Sinnkrise", der sich dort hinten am vermeintlichen Tatort ein Nickerchen gegönnt hat? Wie dem auch sei, es herrscht kein Grund zur Panik, denn die "Sonderkommission für unlösbare Widersprüche" macht sich an die Arbeit! – Mit heiterer Hirnverknotungskunst in der Tradition von René Pollesch reisen das Theater RambaZamba und Regisseur Milan Peschel in den Gleisbetten des höheren Nonsense: Sie starten beim Krimi, stellen ihre Weichen auf Paradoxie, rollen durchs Tal der Aphorismen und landen in einer großen Geschichte vom Verlust ostdeutscher Orte und Identitäten. Ein Abend voller Lebensfreude und Melancholie, voll postdramatischer Verve und spielerischer Wucht. Mit dem schönsten Merksatz für die Zugfahrt ins Glück: "Es gibt keine falsche Richtung, es dauert höchstens etwas länger." (Christian Rakow)

Zur Nachtkritik

Vinge/Müller sind zurück – weniger unschuldig und schwerer zu lieben als vor acht Jahren. Und doch: ein Teufelsritt durch die mit bigotter Scheiße verstopften Gedärme von Individuum und Gesellschaft, inmitten der schönsten aller möglichen Bühnenwelten, dem totalbemalten Höllenparadies von Ida Müller. Bisher gabs erst Brocken aus Akt 1 und 2 – man muss ihnen alles abverlangen! (Gabi Hift)

Auch dieses neue Unikat aus der Fabrik Vinge/Müller/Reinholdtsen & Co ist wieder von der Sorte Theater, das einen schwindelig im Kopf macht. Aus Peers und der Künstler*innen komprimierter Verzweiflung an der Welt wird große Kunst, bei der man gebannt acht Stunden lang in seinem Sitz sitzt. Jede*r sollte dahingehen, auch die, die schon wissen, dass sie es furchtbar finden werden. (Sophie Diesselhorst)

So spektakulär, luzide und derart von heute war der alte "nordische Faust" noch nie: Statt Ibsens "Peer Gynt" als übliches Stationendrama zu inszenieren, laden Vegard Vinge, Ida Müller und Trond Reinholdtsen zu einem Mega-Trip nach "Gyntiania", sprich: direkt hinein in die lebhafte Fantasiewelt des mutmaßlich größten Lügners, Hochstaplers und Ich-Dissoziierers im Theaterkosmos. Und wie in diesem Peer-Kopf, der selbst nie so genau zu wissen scheint, ob er gerade faket oder Fakten schafft, Wunsch und Wirklichkeit, Ich und Es, Tiefgang und Hochstapelei wechselweise in- oder gegeneinander driften – jeden Abend neu und anders –, das erzählt nicht nur mehr über unsere Gegenwart, als manchen lieb sein dürfte. Sondern es sieht – in der unverwechselbaren Vinge-Müller-Reinholdtsen-Ästhetik – auch noch fantastisch aus: ein Gesamtkunstwerks-Theatercomic, der klüger macht. Und süchtig! (Christine Wahl)

Zur Nachtkritik

Christoph Marthalers Handschrift ist an diesem Abend über Fake, KI, den menschlichen Makel deutlich erkennbar, alles andere wäre auch verwunderlich. Aber was er und das Ensemble hochmeisterlich auf die Bühne bringen, fügt sich nicht nur ausnehmend glücklich zusammen, sondern erhält durch die Realität ein ganz eigenes Framing. Überall wird mit so viel Aufgeregtheit über KI debattiert, dass hier ein wohltuender Abwehrzauber entsteht, der poetischere Fenster öffnet und die Idee der künstlichen Nachbildung mit dem menschlichen Makel konfrontiert. Die KI-Euphorie wird ad absurdum geführt zugunsten einer fein-humorigen Melancholie des menschlichen Scheins und Seins. (Simone Kaempf)

Zur Nachtkritik

Etwas ist faul im Staate D… ja wo eigentlich nicht. Armin Petras verpflanzt seinen "Hamlet" in ein ostdeutsches Bahnwerk der Wendejahre. Vor den großen politischen Verwerfungen spielen die todtraurigen Dramen im Kleinen.  Shakespeare trifft auf Heiner Müller und Tiger Lillies; Schauspiel auf Anarcho-Oper und Zwischenwelten. Die Zeit ist aus den Fugen- Petras macht daraus ein Fest, das der theatralen Raumzeit trotzt. (Sylvia Belka Lorenz)

Zur Nachtkritik

Eine vielschichtige Begegnung mit einer Schriftstellerin und ein komplexer Abend, der den Blick für immer noch ungleiche Geschlechterverhältnisse schärft. Und wie Lina Beckmann durch die verschiedenen sich in Nullkommanix von der tablettensüchtigen Dichterin in den Mann der treuen Haushälterin verwandelt, der sich wiederum mal eben so per Pappfernseher zum Maigret fantasiert, ist eine Schau für sich. (Andreas Schnell)

Eine Frau auf der Rutschbahn, Depression, in den Suizid begleiten – Karin Henkel zeigt mit "Die Abweichlerin", nach Tove Ditlevsens autofiktionalem Roman "Vilhelms Zimmer", die letzte Station einer Lebenstragödie. In der scheitert eine haltlos trotzig aus kleinstbürgerlichen Verhältnissen sich empor rebellierende Künstlerin am patriarchalen Umfeld, aber auch an Angststörungen, Medikamentenabhängigkeit, Gewalterfahrungen, Psychiatrieaufenthalten, Einsamkeit, Alkoholismus. Die Regie schlägt aus der offenherzigen Selbstanalyse Ditlevsens (in Monologen) sowie der satirischen Abrechnung mit ihrem Lebensumfeld (mit surreal-grotesken Erinnerungen) und althergebrachten Geschlechterrollen reichlich verschmitzten Humor bis hin zu rotzig empörtem Spott. Darstellerin Lina Beckmann nimmt staunend den multiperspektivischen Schreibstil der Autorin auf. In ihrem differenzierten Spiel verschwimmen die Ich-Erzählerin mit der Aufführungs-Moderatorin Beckmann und eben der Protagonistin, deren freiheitsdurstige Traurigkeit zudem von Tänzerin Liina Magnea in Bewegung gehalten wird. Wobei die Bühne zwischen inneren Bildern und äußeren Räumen changiert. Lina Beckmann trägt mit ihrem kraftvollen wie verletzlichen, stets unsentimentalen Ausloten des Gefühlschaos zwischen Tragik und Komik den Abend – eine feinsinnig komplexe Empathieveranstaltung über Frauen in toxischen Beziehungen und ein anrührend verzweifelter Kampf um Selbstbehauptung. (Jens Fischer)

Purcells Barockoper wandert hier in die Gegenwart und erzeugt auf diesem Wege betörende Schauwerte. Tanz, Schauspiel und Musik verbinden sich zum Bühnenereignis. Man schaut hingerissen zu und wird immer hochgestimmter dabei. Ein Abend wie eine Karussellfahrt. Nach dem Ende möchte man am liebsten gleich wieder einsteigen. (Shirin Sojitrawalla)

Zur Nachtkritik

Doppelbödig und mit beeindruckendem Bühnenbild behandelt Philipp Löhles Inszenierung seines eigenen Textes das Fortbestehen und die Weitergabe rassistischer und chauvinistischer Narrative in männerbündischen Studentenverbindungen. Das ist nicht nur furchtbar aktuell, es führt auch die Mechanismen vor, derer diese Narrative sich bedienen, um irgendwie alle aufklärerischen Bestrebungen zu überleben. (Simon Gottwald)

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Ariane Kareevs dunkel-strahlende Dortmunder "Antigone" setzt der erkalteten Welt der Lebenden um Diktator Kreon eine Spiegelwelt entgegen: aus Musik, Spiel, Farben, Körperlichkeit und Tanz. Der Haken dabei, es ist das Reich der Toten, bewohnt und fantastisch bespielt von den Artistinnen Anne und Minna Marjamäki. Dieser funkelnde Un-Ort bewahrt, was das Leben hätte sein können – eine andere Menschheit vorausgesetzt. Ein wacher, analytisch klarer und dabei unerhört ästhetischer Abend. (Cornelia Fiedler)

Zur Nachtkritik

Julie Grothgar bringt das "ekstatische Menschheits-Spektakel" des französischen Theater-Stars Valère Novarina in einer so anregenden wie brillant getimten und choreographierten Inszenierung auf die Bühne, in der sich der vermeintliche Unsinn der grandiosen Sprachexperimente nicht nur immer wieder überraschend zu tiefen Erkenntnissen über das Menschsein formiert. Man darf auch die leise Hoffnung hegen, dass der gelungene Abend zu einer Novarina-(Wieder-)Entdeckung in Deutschland führt. (Max Florian Kühlem)

Zur Nachtkritik

Pablo Picassos Ereignisbild und Panik-Panorama von 1937, dessen künstlerische seiner kunsthistorischen und politischen Bedeutung für das 20. Jahrhundert gleichkommt, ist Projektionsfläche für eine dreigeteilte Reflexion über die Dynamik von Gewalt, Täter und Opfer, Vernichtungs-Ideologie, menschliche Ignoranz und mediale Rezeption, die den zeitgeschichtlichen und symbolischen Raum von Guernica zu unserer Gegenwart öffnet. Eine wort-, aber keineswegs eine sprachlose Performance: bildstark, intelligent, kunstintensiv. (Andreas Wilink)

Zur Nachtkritik

Dies ist mein nachtkritik-Theatertreffen-Kandidat, weil das Kölner Ensemble hier meisterhaft den globalen, aktuellen Krieg der Medien mit dem russischen Angriffskrieg verknüpft, Zwänge und Zynismus des journalistischen Arbeitens mit Hilfe von persönlichen Schicksalen aus der Ukraine erzählt – die zudem akribisch und empathisch ausrecherchiert wurden. Nahbar und komplex wird Zeitgeschichte erzählt, die Kraft des Theaters als Lehrmeister der Geschichte deutlich gemacht. (Dorothea Marcus)

Zur Nachtkritik

Eigentlich ist die Geschichte von Akin Emanuel Şipals "Mutter Vater Land" zu groß, um sie auf die kleine Bühne des Landestheaters Detmold zu bringen. Immerhin erzählt das Stück nicht weniger als eine bundesdeutsche Familiengeschichte zwischen Breslau, Gelsenkirchen und Istanbul. Aber die Bedingungen vor Ort engen die präzise wie feinsinnige Inszenierung von Christina Gegenbauer nicht etwa ein, sondern sorgen vielmehr für einen konzentrierten Theaterabend, den man nicht zuletzt wegen der Bühne von Frank Albert in Erinnerung behält. (Kai Bremer)

Zur Nachtkritik

Angefüllt mit allem, was eine Inszenierung lebendig machen kann, entsteht im Museum Kolumba ein kleiner, politisch fokussierter, in der beziehungsreichen Mischung von bildender Kunst, Musik, Journalismus und Theater ungeheuer wirkungsvoller Abend. Und in all der polyvalenten Interaktion der Künste erfährt man auch, wie die Infrastruktur Deutschlands zukunftsfähig gemacht werden könnte. (Gerhard Preußer)

Zur Nachtkritik

Das Stück katapultiert die Zuschauer in das Jahr 2052, in dem alle Schreckensvisionen der derzeitigen politischen, gesellschaftlichen und technischen Entwicklungen wahrgeworden sind. Die Menschen leben als Humanoide, Wesen zweiter Klasse, im Grenzgebiet zur Desertzone einer total verwüsteten Erde und werden von einer übermächtigen KI tyrannisiert und versklavt. Das Stück erzählt in drei Schritten rückwärts die Entwicklung dahin. Christoph Mehler hat daraus mit einem spielfreudigen Ensemble eine bedrängende Inszenierung entwickelt, die den Vergleich mit dystopischen Sciencefiction-Filmen nicht scheuen muss und die Entwicklung zum denkbar Schlechtesten als Mahnung in den Bereich der Wahrscheinlichkeit rückt. (Uwe Loebens)

Zur Nachtkritik

Wo die Retrotopien wuchern, ist er Landschaftsgärtner: Als Befreiungsschlag von Feuilletonzuschreibungen schuf Lukas Rietzschel eine hermetische Familienaufstellung frei nach Tschechow. Regisseur Enrico Lübbe setzte die Groteske am Leipziger Schauspiel mit viel Rhythmusgespür um. (Tobias Prüwer)

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Für diese Nominierung gibt es zwei gute Gründe; eigentlich sogar drei. Zum einen praktiziert Autor Roland Schimmelpfennig (wie schon beim "Anthropolis"-Marathon mit Karin Beier in Hamburg, aber hier im Grunde noch markanter) eine herausragend kluge Form der Annäherung an "alte" Stoffe: Er "überschreibt" sie ja gerade nicht, wie es seit geraumer Zeit ja Mode ist, und er zerrt sie auch nur extrem selten in die jüngere und jüngste Vergangenheit oder gar in die Gegenwart, Stattdessen schreibt er ganz (oder wie) neu, aber eher "mit" dem Material von damals, hier dem Tolstoi-Roman. Und mit dieser Methode entsteht tatsächlich (und durchaus beispielhaft) neue schriftstellerische Qualität. Der zweite Grund für die Nominierung ist natürlich das Regie-Debüt des Schauspielers Charly Hübner. Er hat unendlich viel gelernt in Inszenierungen anderer; speziell die Optionen radikaler Freiheit, ob bei Jürgen Gosch (übrigens als Spieler von Schimmelpfennig-Texten!) oder über spätere Jahre hin immer wieder bei Frank Castorf. Die erste Inszenierung jetzt, am Theater Magdeburg, versammelt reichlich eigene Spiel-Erfahrung – und entwickelt damit ganz organisch eigenes, geprägtes und prägendes Handwerk. Großartig! (Michael Laages)

Zur Nachtkritik

Luise Voigt und ihre Dramaturgin Eva Bormann haben für diesen Abend über fünfzig Gespräche mit Leuten aus Weimar und Umgebung geführt. Ob Politiker*in, Pfarrer*in oder Bäcker*in von nebenan: sie alle berichten von Umbruchserfahrungen, Sorgen und Träumen. In einer soghaften Montage verkörpern die Schauspieler*innen abwechselnd diese Menschen – im Prinzip des Originalton-Theaters. Jedes Stocken, jeder Atmer ist dabei, jede Geste so präzise wie möglich. Das Nebeneinander der Stimmen, hochkonzentriert und beeindruckend vom Weimarer Ensemble interpretiert, führt zu einer krassen Reibung. Wer ist dieses von rechts vereinnahmte "Wir"? Luise Voigts Abend zeichnet ein differenziertes Bild der Weimarer Bevölkerung und hält verschiedenste Positionen aus. Und plädiert damit auch für eine Gesellschaft, die so viel weiter wäre, wenn sie einander wieder zuhören würde. (Vincent Koch)

Zur Nachtkritik

Sieben Stunden lang lesen Schauspieler*innen in einer Wiener Kirche (oder live im Stream) aus Dokumenten rund um den Prozess gegen die Vergewaltiger von Gisèle Pelicot. Das Theater wird zur Auseinandersetzung im wörtlichen Sinn. So unaufdringlich und sorgfältig wie selten entfaltet sich das Psychogramm einer kaputten Gesellschaft, deren komplizenhaftes Schweigen vom Mut einer Frau gebrochen wurde. Eine lange nachhallende Theaternacht, die durchsichtig macht, wogegen aller Verstand sich sträubt. (Janis El-Bira)

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Es ist ein unmöglicher Roman, und es ist eine unmögliche Inszenierung. Es gibt keine Pferde, die nicht größer sind als Mäuse, und es gibt auch kein Theater, das solche Mäuse-Pferde auf die Bühne bringen könnte. Nur Kirill Serebrennikov kann das: Er verfügt über den grotesken Humor, den man benötigt, um seines Landsmanns Vladimir Sorokins „Schneesturm“ zu adaptieren, eine großartige Parabel über den strukturellen Wahnsinn, in dessen Abgrund sich die russische Autokratie verdüstert. (Martin Krumbholz)

Zur Nachtkritik

Wer 24 Stunden am Stück Theater machen will, sollte sich dabei was denken. Die Australierinnen Anna Breckon und Nat Randall haben ein gewitztes Konzept, das sie außerdem noch perfekt umzusetzen verstehen. Angelehnt an den Film “Opening Night” mit Gena Rowlands aus 1977 lassen die Regisseurinnen 100-mal dieselbe Szene zwischen einer Frau und einem Mann* spielen. Bei der deutschsprachigen Erstaufführung in einer Produktion der Wiener Festwochen übernahm die formidable Pia Hierzegger den weiblichen Part, der männliche ging an 100 Personen, die in einem Call gefunden wurden und vor ihrem Auftritt wenig von dem wussten, was sie erwartete. Wer würde als nächster den hellrot ausgeleuchteten Kubus auf der Bühne betreten? Wie würde er* die Rolle anlegen? Wer reinging, ging nur ungern wieder raus. Breckon und Randall verwandeln ein Sozialexperiment in ein einzigartiges Ereignis, das ohne hochtrabenden Diskurs bis zum Urgrund der Schauspielkunst vordringt und das beste Plädoyer für ein Theater liefert, das live und vergänglich ist. (Martin Thomas Pesl)

Zur Nachtkritik

Die schematische, mittlerweile langweilige Vorlage wird zur gekonnt ausgestalteten Inszenierung der Geisterbahn genutzt, auf der es sich weite Teile des Bürgertums bequem gemacht haben. Totenköpfe, kapitalistische Kälte, Dämonen und Angst als Interieur: immer gern! Realität: bitte nicht. Jan Bluthardt verkörpert eben gerade keine beamtenhafte Bürger-Behäbigkeit mit Hornbrille, sondern eine intellektuelle Wachsamkeit, die den Biedermann das Elend früh erkennen lässt. Aber er ist zur Handlung unfähig. Das Alltags-Wahnhafte, aber auch die moralische Korrumpiertheit des Bürgers wird herausgeschält. Zudem ist der Abend sehr saftig und präzise gespielt. (Claude Bühler)

Zur Nachtkritik

Fitnessgeräte legen das innere Beben der Familie Wingfield frei, auf- und abgegangen wird über einen schmalen Laufsteg entlang der ersten drei Wände. Plötzlich schwebt ein online geshoptes Bühnenbild von der Decke und setzt sich für eine Weile auf die karge Bühne, Zuckerguss auf der Prekarität, vom Morgen geborgt. Eigenwillig, aber mit liebevoller Hand arrangiert Jaz Woodcock-Stewart ihr Neurosenkabinett, den Finger am Puls der Subjekte, ohne die strukturellen Gründe ihres Daseins aus dem Blick zu verlieren. (Leo Haverkamp)

Zur Nachtkritik

Theater, das so übervoll, quietschebunt, vollgestopft, umarmend ist, das es so großartig schafft, eine Dragshow mit hochpolitischen Aussagen zu verquicken, das die richtige Mischung findet aus Feier, Party und Rausch, aus Stille, Schmerz und Sehnsucht, das jede*m und jede*r im Ensemble Raum gibt, sich zu zeigen, sich zu feiern, in dem die Gewerke – Bühne! Kostüme!!! Musik! – so perfekt ineinandergreifen – solch ein Theater gibt es nicht oft. Und sicherlich viel zu selten. (Valeria Heintges)

Zur Nachtkritik

Die Zürcher Schiffbauhalle wird zum sizilianischen Palazzo in Pınar Karabuluts prächtiger, kluger und schauspielerisch herausragender Auseinandersetzung mit diesem Stoff aus den Gründungsjahren des modernen Italiens. Der Feudalismus dankt ab, eine mafiöse Ökonomie kommt auf, das zynische Fazit: “Wenn wir wollen, dass alles so bleibt, wie es ist, muss alles sich ändern“. Karabulut inszeniert die Hommage an Tomasis Roman im schwelgerischen Zeitkolorit, zugleich ist alles sichtlich am Abblättern und moderne Referenzen brechen ein. Im Unzeitgemäßen erweist sich die systemübergreifende bittere Aktualität des Stoffs. (Andreas Klaeui)